Rating and value of works, drawings and paintings by Victor Vasarely

Heir to the Bauhaus movement and proponent of total art, Victor Vasarely (1906-1997) is the most famous exponent of Op art. Very popular in Paris in the 1980s, his artistic posters represent his psychedelic, illusionist and abstract style, and can be seen all over the city.

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Cote de l'artiste Victor Vasarely

Victor Vasarely connait un grand succès de son vivant grâce à sa participation à certaines manifestations majeures de son temps. Il s’impose alors rapidement comme une valeur sûre du marché de l’art.

Aujourd’hui, ses œuvres ont du succès en salle des ventes et attirent grand nombre de collectionneurs. Ses pièces s’échangent principalement en France et aux États-Unis.

Le prix auquel ses œuvres se vendent sur le marché des enchères s’échelonne entre 5 et 535 240€, un delta conséquent mais qui en dit long sur la valeur qui peut être attribuée aux œuvres de l’artiste.

En témoigne son huile sur toile Atlaï III, datant de 1955, adjugé 535 240 € en 2010, tandis qu’elle était estimée entre 113 880 et 170 820€. 

Order of value from the most basic to the most prestigious

Style et technique de Victor Vasarely

Dans la peinture de Victor Vasarely, la géométrie conserve cette propriété de structurer l’espace, de distribuer les formes selon une logique rigoureuse.

Mais c’est au prix d’un déplacement : elle ne se contente plus d’organiser le champ pictural, elle en devient le moteur instable, le lieu d’une perception en constante reconfiguration.

La figure disparaît, mais restent les structures optiques qui lui étaient attachées, c’est-à-dire les trames, les réseaux, les contrastes.

Dans Vega-Nor (fig. 1), la grille ne repose plus sur un système fixe : elle se bombe, se dilate, se contracte, comme soumise à une force interne. La surface, pourtant plane, semble aspirée dans une profondeur mouvante.

La couleur, réduite à un jeu de valeurs franches, ne modèle plus les volumes mais en inverse la lecture, selon une logique optique qui renverse les hiérarchies de la forme.

Le motif n’est plus un élément décoratif : il devient un champ dynamique, une onde qui traverse la composition.

Alors, dépossédée de sa fonction classique d’harmonisation, la géométrie se consacre désormais à produire des tensions visuelles, à générer un espace instable, autonome, qui échappe au regard même qu’il sollicite.

The life of Victor Vasarely

Victor Vasarely naît en 1906 en Hongrie. Après des études de médecine, Vasarely se lance dans l’art en 1925. Attiré par le mouvement Bauhaus, il intègre quelques années plus tard le Muhëly à Budapest, école basée sur le modèle du Bauhaus. Le jeune artiste va bénéficier des enseignements des célèbres Walter Gropius, Wassily Kandinsky et Paul Klee.

Au même moment, Victor Vasarely découvre l’art abstrait et le constructivisme. Ces mouvements auront un impact significatif sur l'ensemble de sa carrière.

In 1930, Victor Vasarely moved to Paris, where he worked as a graphic designer and draftsman in various advertising agencies.

From 1930 to 1947, Vasarely conducted graphic experiments focusing on light, perspective and line. From 1935 onwards, his paintings reveal Cubist and Surrealist influences. His art gradually became abstract. His artistic research focused on pure forms and colors.

Dans les années 50, Victor Vasarely crée des compositions contrastées en juxtaposant des couleurs et des formes géométriques. À partir de 1958, il se tourne vers le cinétisme puis vers le pop-art. Ses toiles deviennent de plus en plus vives.

The Vega period, explored from 1968 onwards, is Victor Vasarely's most famous. His works are characterized by distorted geometric volume shapes, inspired by planets and cells.

Focus sur Vega 200, Victor Vasarely

Dans Vega 200 (fig. 1), une acrylique sur toile de Victor Vasarely, la grille orthogonale conserve cette capacité à organiser l’espace, à répartir les unités selon un ordre préétabli. Mais c’est au prix d’un certain glissement : la régularité du module devient le support d’une distorsion, la matrice d’un mouvement qui altère la stabilité du champ visuel.

Le cercle, au centre, n’est pas dessiné : il émerge de la dilatation progressive des carrés, comme une poussée interne qui infléchit la trame. L’illusion de volume n’est plus obtenue par le modelé, mais par la déformation du système lui-même, par l’écart répété entre la forme et son cadre.

La couleur, traitée en dégradés nets, n’indique pas la lumière, mais accentue la courbure fictive de la surface. L’espace ainsi produit ne se donne jamais d’un seul coup : il pulse, se contracte et se relâche au rythme des tensions optiques.

Alors, affranchie de toute fonction mimétique, l’image ne montre plus une forme, elle la génère, elle la fait advenir à travers les variations d’un système clos, où chaque élément, aussi infime soit-il, participe à l’instabilité générale de la perception.

Les caractéristiques de l’Op Art

 Dans l’Op Art, la perception conserve cette capacité à organiser l’image, à stabiliser les formes dans un champ visuel cohérent. Il a aussi été développé par des artistes comme André Cadere ou Alexandra Exter.

C’est cependant au prix d’un certain changement : elle ne s’appuie plus sur la représentation d’un objet, mais sur l’activation d’un système, sur la mise en mouvement d’un réseau de lignes, de contrastes ou de modules.

La figure disparaît, mais restent les effets optiques qui lui étaient traditionnellement associés : scintillements, vibrations, pulsations, illusions de profondeur.

Dans les œuvres de Bridget Riley ou de Victor Vasarely, la surface picturale cesse d’être un espace de projection, elle devient un plan actif, une structure dynamique qui produit ses propres variations.

La ligne ne délimite plus, elle ondule ; le motif n’encadre plus la forme, il la contredit, la submerge, la fait basculer. Ce que l’œil croyait fixe devient mouvant, ce qui semblait stable se dérobe.

L’illusion, loin d’être un artifice, devient le cœur même du dispositif, la condition de l’expérience visuelle.

Cette subversion des repères perceptifs s’accentue avec l’usage systématique de la géométrie, des contrastes de valeur, des jeux d’échelle.

La couleur, souvent réduite à des combinaisons binaires ou à des dégradés rigoureux, ne sert plus à modeler la forme, mais à en perturber la lecture. Le noir et blanc, les complémentaires, les passages progressifs sont autant d’outils pour générer des conflits optiques, des phénomènes d’instabilité, de flottement.

Alors, dépouillée de sa fonction descriptive, la peinture devient un champ d’opérations, un espace sans profondeur réelle, mais saturé d’effets. Le regard n’y trouve pas de point de repos : il est pris dans une boucle, sollicité, malmené, projeté d’un point à l’autre.

L’Op Art ne cherche pas à représenter le réel, mais à faire de la vision elle-même un objet d’expérimentation. À travers cette logique interne, il reconduit l’image à ses éléments premiers – ligne, contraste, surface – pour mieux les détourner, les faire proliférer dans un espace où l’œil, en tentant de voir, révèle ses propres limites.

Victor Vasarely's imprint on his era

During his lifetime, Victor Vasarely enjoyed great renown. In addition to his artistic experiments, he produced commissioned works, both public and private, which were integrated into Parisian public spaces.

Leaving behind him a vast artistic output, Vasarely has a strong presence on the art market.

Works from his "Zebra" and "Vega" periods are highly sought-after by collectors, and can fetch hundreds of thousands of euros at auction.

In addition to his pictorial works, Vasarely produced a number of volumes, furniture, tapestries and ceramics. Less common on the art market, these works are sold for thousands of euros, with the exception of his tapestries, which can fetch tens of thousands of euros.

His signature

Not all Victor Vasarely's works are signed.

Although there are variations, here is a first example of its signature:

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