Cote et valeur des tableaux, dessins, peintures de Henri Matisse

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Cote et valeur de l’artiste Henri Matisse  

Considéré comme un peintre pionnier de l’art moderne, Henri Matisse s’est rapidement imposé dans l'histoire de l’art du XXème siècle. 

Cet héritage se compose diverses créations : surtout des huiles sur toile parmi lesquelles figurent ses peintures fauvistes. 

A présent, les prix de ses œuvres augmentent énormément au marteau des commissaires-priseurs. Ses natures mortes sont particulièrement prisées et le prix auquel elles se vendent sur le marché de l’art s’échelonne entre 10€ et 15 133 200€, un écart considérable mais qui en dit long sur la valeur qui peut être attribuée aux tableaux de Henri Matisse.

En 2019, une huile sur toile, La Terrasse, datant de 1912, a été vendue à hauteur de 15 133 200€ tandis qu’elle était estimée entre 4 450 000 et 7 121 500€.

Order of value from a simple work to the most prestigious

Style et technique de Henri Matisse  

Henri Matisse est le chef de file du fauvisme, mouvement fondé sur une libération radicale de la couleur, qu’il applique en aplats expressifs, sans souci de réalisme local, qui recherche constamment un langage plastique synthétique, épuré, où la forme, la ligne et la couleur fusionnent dans une construction poétique.

Son style évolue d’un naturalisme acquis de l’Académie vers un art décoratif et abstrait centré sur l’essentiel visuel et affectif.

Il travaille la peinture à l’huile dans ses premières décennies, appliquée en touches larges et fluides, puis en aplats purs, souvent cernés de contours noirs (on retrouve ici l’influence du cloisonnisme).

Il travaille en série (modifications progressives d’un même sujet pour épurer la forme : portraits, natures mortes, nus féminins, intérieurs). Il a recours au dessin préparatoire au fusain, à l’encre ou au crayon, avec une attention extrême portée à la ligne expressive.

A partir des années 1930 et surtout après 1941, il développe la technique de la gouache découpée : il s’agit de papiers peints à la gouache puis découpés aux ciseaux afin de composer des œuvres à plat ou murales.

Le découpage devient un dessin avec des ciseaux : la ligne des directe, tranchée dans la couleur, sans repentir possible. Il dessine au pinceau (ligne noire sur fond blanc) dans ses œuvres graphiques, avec une souplesse calligraphique remarquable (influence de l’art islamique et extrême-oriental).

Matisse travaille avec des intérieurs orientalisants, des natures mortes fleuries, des femmes alanguies, fenêtres ouvertes sur la mer et motifs végétaux, toujours avec un souci du rythme visuel et décoratif. Le sujet est prétexte à l’organisation plastique, et non à une narration.

L’espace est souvent déhiérarchisé, sans perspective classique : plans juxtaposés, couleurs en aplats, volumes abolis.

La pensée décorative est constante, puisque Matisse conçoit des tapisseries, des vitraux comme ceux de la chapelle de Vence, des céramiques et divers tissus.

Il pense l’œuvre comme une surface totale, où chaque élément participe à l’équilibre de la composition. Il refuse le modelé, le clair-obscur et l’illusionnisme, et cherche une présence immédiate et harmonieuse de la peinture.

La carrière de Henri Matisse  

Henri Matisse est né en 1869 dans le Nord de la France, et est issu d’une famille de commerçants. Il suit d’abord des études de droit à Paris, puis travaille brièvement comme clerc d’avoué.

Il se tourne vers la peinture à 21 ans, après une convalescence prolongée. Il se forme alors à l’école des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier de Gustave Moreau, et étudie les maîtres anciens, copie des tableaux au Louvre et s’initie à l’impressionnisme.

Il expose pour la première fois au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts en 1896, et participe au Salon d’Automne de 1905 où ses toiles aux couleurs vives, notamment la femme au chapeau, déclenchent un scandale.
Louis de Vauxcelles dira alors « orgie de tons purs : c’est Donatello parmi les fauves ». Cette qualification créera le terme de « fauvisme ». Matisse devient rapidement le chef de file du groupe aux côtés de Derain, Vlaminck ou Dufy, prônant l’émancipation de la couleur et la simplification formelle.

Il séjourne en Algérie, au Maroc, en Espagne, en Italie, à Tahiti. Ses séjours nourrissent sa palette, son goût pour l’ornement, les textiles et les motifs exotiques. Il découvre l’art islamique et le japonisme, qui influenceront fortement ses compositions et son approche de l’espace.

Il installe son atelier à Nice dans les années 1920, et sa peinture s’épanouit dans une veine plus décorative, avec des intérieurs lumineux, des odalisques et des scènes d’atelier. En 1941, après avoir été opéré d’un cancer, il se retrouve en fauteuil roulant.

Son activité évolue vers le papier découpé, médium qu’il élève à un art majeur.

Il créé la chapelle du Rosaire à Vence (1947 – 1951), une œuvre totale qui intègre vitraux, céramiques, mobilier liturgique et architecture. Il publie Jazz en 1947, un album de planches en papiers découpés accompagnés de textes manuscrits, considéré comme un chef-d’œuvre du livre d’artiste.

Il meurt à Nice en novembre 1954, et laisse une œuvre immense, marquée par une quête constante de l’équilibre, de clarté et de joie visuelle, et par une radicalité formelle discrète mais décisive.

Son influence est considérable sur les avant-gardes du XXème siècle (expressionnisme, abstraction lyrique, art minimal) et sur des artistes comme Ellsworth Kelly, David Hockney ou Pierre Soulages.

Focus sur l’Atelier rouge, Henri Matisse, 1911

L’atelier rouge est une huile sur toile de Matisse mesurant 181 x 219 cm et conservée au MoMA, peinte à Issy-les-Moulineaux dans son atelier d’été.

Il s’agit d’une vue intérieure de l’atelier de Matisse, représenté en aplats rouges uniformes, sur lesquels se détachent en lignes jaunes les meubles, objets et toiles présentes dans l’espace.

La perspective classique est volontairement abolie : l’espace est défini non par la profondeur mais par la couleur plane et la disposition graphique des éléments. La toile devient une surface continue, où l’objet, le mur et le sol semblent fondus dans une même teinte rouge carmin.

Le rouge dominant, apposé après une première ébauche plus neutre, absorbe l’espace et unifie l’ensemble de la scène, la couleur créé l’architecture. Matisse utilise la réserve et le tracé jaune clair pour faire apparaître les objets par soustraction, comme une forme de dessin dans la peinture.

Cette méthode donne à l’œuvre une dimension décorative, proche des arts appliqués ou du vitrail. L’atelier est à la fois un espace intime et un monde mental : les toiles représentées dans l’œuvre sont des œuvres antérieures de l’artiste, comme pour figer un musée personnel.

L’œuvre célèbre l’acte de création, en montrant un espace d’artiste sublimé par la couleur et l’harmonie. Elle incarne sa quête de « peinture pure » où forme et couleur sont indissociables et sans hiérarchie.

L’Atelier rouge marque une étape clé entre le fauvisme et les recherches décoratives des années 1920. Elle annonce les gouaches découpées par son traitement plat de la surface et sa volonté d’abstraction décorative.

L’œuvre préfigure aussi les recherches de l’abstraction américaine (Rothko, Newman) par son traitement monochrome et spatial.

La signature de Henri Matisse  

Henri Matisse signe souvent ses œuvres, mais sa signature a changé au fil des années. L’expertise reste primordiale afin de s’assurer de l’authenticité de votre œuvre.

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