Cote et valeur des tableaux, dessins, peintures de Adolphe Monticelli

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Cote et valeur de l’artiste Adolphe Monticelli

Considéré comme l’un des précurseurs du fauvisme, Adolphe Monticelli s’est rapidement imposé dans l’art du XXème siècle. Cet héritage se compose diverses créations : surtout des huiles sur toile parmi lesquelles figurent des paysages. 

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Ses huiles sur toile sont particulièrement prisées et le prix auquel ils se vendent sur le marché de l’art s’échelonne entre 45€ et 432 000€, un écart considérable mais qui en dit long sur la valeur qui peut être attribuée aux tableaux de Monticelli. 

Une nature morte datant 1880, intitulé Grande nature morte au pichet, a été vendue à hauteur de 432 000€ tandis qu’elle était estimée entre 119 000 et 178 700€. 

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Style et technique de Adolphe Monticelli

Adolphe Monticelli (1824 – 1886) est un peintre marseillais, précurseur de l’impressionnisme, qui travaille presque exclusivement à l’huile sur toile. Parfois, il utilise aussi des panneaux de bois.

Il montre une préférence pour les formats moyens ou petits, adaptés à son travail d’empâtement et de matière. Il utilise des brosses épaisses et des couteaux, qui lui permettent d’accumuler la pâte picturale.

Son style est caractérisé par une peinture en pâte dense et lourde, avec des empâtements très épais. La surface picturale est régulièrement striée, rugueuse ou accidentée, ce qui donne à la toile une forte matérialité.  

La facture est vibrante et gestuelle, les coups de brosse sont visibles, affirmant de cette manière la présence du geste. L’effet de transparence est limité, la pâte étant posée en couches opaques successives.

La palette de l’artiste est riche et saturée, dominée par des tons chauds (rouges, orangés, ors, bruns, réhaussés de verts et de bleus). Son œuvre montre un goût pour les harmonies somptueuses et décoratives, où la couleur l’emporte sur le dessin.

Il utilise fréquemment des contrastes lumineux intenses, qui renforce la dimension dramatique et baroque. Ses sujets sont souvent peu lisibles à distance, les figures et objets se dissolvent dans la matière colorée.

Il construit ses compositions par amas et touches juxtaposées plutôt que par contour net. Ses thèmes récurrents et de prédilection sont les scènes de fête galantes (dans la tradition de Watteau), les bouquets de fleurs, natures mortes et paysages provençaux.

Les compositions privilégient une ambiance picturale et lumineuse au détriment de la narration précise. Monticelli hérite dans son travail de Delacroix, dont il admire le sens de la couleur et du mouvement.

C’est également un précurseur de l’impressionnisme, grâce à son goût pour la touche libre et la lumière annonce les recherches de Cézanne et Van Gogh. Son style est parfois qualifié de romantisme baroque provençal, où la matière picturale prend le dessus sur le sujet représenté.

Ses toiles donnent une impression de luxuriance chromatique et tactile, proches de la mosaïque ou de l’émail. La lecture est souvent sensorielle avant d’être figurative, appelant le spectateur à percevoir la couleur comme expérience en soi.

Son style, parfois jugé « inachevé » par ses contemporains académiques, fut en réalité une révolution picturale qui a été admirée par Van Gogh. Ce dernier voyait en lui un maître dans l’usage de la matière et la couleur.

La vie de Adolphe Monticelli

Adolphe Monticelli (1824 – 1886) est né à Marseille, dans une famille modeste. Il se forme à la peinture à l’École des Beaux-Arts de Marseille entre 1838 et 1846, où il apprend le dessin académique.

Il s’installe ensuite à Paris en 1846, où il fréquente brièvement l’atelier de Paul Delaroche et copie les maîtres anciens au Louvre, notamment Watteau ou Delacroix. Il expose pour la première fois au Salon de Paris dans les années 1850.

Il travaille à Marseille puis à Paris, et peint principalement des portraits, paysages et scènes de genre. L’artiste développe rapidement un style singulier, qui est marqué par une pâte épaisse et un goût prononcé pour la couleur.

Installé à Paris dans les années 1850-1860, il se lie avec des peintres et écrivains romantiques. Monticelli est un admirateur de Delacroix et de la peinture vénitienne, il affirme une approche plus libre et colorée que celles de ses contemporains académiques. Son art, aujourd’hui jugé trop audacieux et « inachevé », reste marginal face aux standards officiels.

Il retourne à Marseille en 1870, après la guerre et la chute du Second Empire. L’artiste vit et peint dans un relatif isolement, sans véritable reconnaissance institutionnelle. Il produit de nombreuses œuvres sur la Provence, dont des paysages, bouquets et scènes galantes.

Monticelli meurt à Marseille en 1886, quasiment oublié par les institutions et peu reconnu de son vivant. Van Gogh, qui arrive à Arles en 1888, admirera son œuvre et dira de lui qu’il est un précurseur dans l’usage expressif de la couleur et de la matière.

Ses œuvres influencent aussi Cézanne et annoncent certaines recherches de l’expressionnisme. Aujourd’hui, Monticelli est vu comme un peintre visionnaire du Sud, et un inventeur d’un langage pictural autonome.

Focus sur Scène galante dans un parc, Adolphe Monticelli, 1870

Ce tableau de Monticelli, une huile sur toile de format moyen est une réunion de personnages élégants en extérieur, héritée de la tradition de Watteau et des fêtes galantes.

La composition se matérialise par un groupe de personnages rassemblés au premier plan, parfois assis, parfois debout. L’arrière-plan est traité de manière vaporeuse et indistincte, suggérant un parc, des arbres et un ciel ensoleillé.

L’organisation volontairement floue, et mouvante, sans contours nets. La scène se lit comme un nuage de formes colorées. La palette utilisée est assez chaude (or, rouge, ocre, brun, orangé) ponctués de vertes et de bleus profonds. La lumière n’est pas localisée mais diffuse, imprégnant toute la surface du tableau.

Les couleurs sont posées en masses épaisses, se mêlant directement sur la toile, produisant des effets de vibration. Les empâtements sont très denses, presque sculpturaux, qui font ressortir la matérialité de la peinture.

Les traces de pinceau de couteau sont visibles, conférant à la surface une texture assez rugueuse. Il n’y a pas de dessin préparatoire apparent, l’œuvre repose sur une peinture directe et intuitive.

Les figures apparaissent et disparaissent dans la pâte colorée, donnant une impression de fugacité et de rêve. La scène galante créé une atmosphère festive au lieu de raconter une histoire.

La dissolution des formes dans la couleur annonce quant à elle la volonté de Monticelli de peindre l’impression d’un moment plutôt que la réalité descriptive.

Van Gogh, lorsqu’il découvre Monticelli, admire cette capacité à donner à la couleur une autonomie expressive et à transformer la matière picturale en langage. L’œuvre illustre la transition entre le romantisme décoratif (hérité de Watteau et Delacroix) et une modernité picturale qui annonce l’impressionnisme et même, selon certains historiens de l’art, l’expressionnisme.

Recognizing the artist's signature  

Les œuvres de Adolphe Monticelli sont souvent signées, sa signature peut varier d’une année à l’autre. En voici un exemple.

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